Cristóbal Ortega "El pintor de las manos prodigiosas"

Cristobal Ortega nació en Quito el 24 de octubre de 1965, es un artista plástico que revolucionó el arte de la dáctilopintura en Estados Unidos.

Realizó sus estudios en el Centro de Extensión Cultural universitaria (CECU) Quito-Ecuador, posteriormente realizó un Curso Internacional de cultura y desarrollo (Palacio de convenciones de la Habana Cuba), el Curso políticas Culturales. Segundo congreso internacional La Habana Cuba y el Curso de investigación sobre arte y cultura La Habana Cuba.

Cristobal Ortega ha dibujado tan solo con sus dedos 100 cuadros en 60 minutos, convirtiéndose en el pintor más rápido del mundo, atribuyendo esta destreza a la energía que recibe de sus antepasados y de la Pacha Mama.

Su primer trabajo recibió 50 sucres, era un retrato que lo dibujó en la Plaza de la Merced, en el Centro Histórico de Quito, con lo cual compró hojas de papel y algunos carboncillos Fue ahí donde tomó la decisión de hacer su inversión inicial para lo que más tarde se transformaría en su profesión.

Hojas de papel y algunos carboncillos serian desde entonces sus compañeros inseparables por algunos años, junto al letrero "pinto retratos en tres minutos" que fueron dejando clientes satisfechos y su deseo de seguir adelante. Al cumplir los 22 años decidía dar un rumbo diferente a su manera de hacer arte, lo que no fue una determinación al acaso, sino la respuesta al llamado de su cuerpo, mente y espíritu de hacer de sus dedos y manos los instrumentos que utiliza su cerebro para plasmar las imágenes que van naciendo.

"Como heredero legítimo de saberes artísticos ancestrales, que legaron nuestros abuelos y abuelas, hemos asumido de generación en generación la responsabilidad de seguir creando los sentimientos más internos y profundos del ser, donde el ser no muere sino trasciende a la vida eterna, en mi obra transmito toda esa fuerza energética del Padre Sol, que nos da la vida con gran intensidad, ahí nacen los animales como el cóndor de los andes que representa la libertad, la serpiente la sabiduría, el puma la fuerza, la rana la fertilidad, que luego se transforman en personas y seres especiales, como el hombre guerreando la vida eterna, y luego retornan espiralmente al centro del mundo, para recibir la ráfaga de energía del 21 de marzo, donde la tierra se ha acercado lo máximo al sol, y nuevamente haga renacer a la tierra, comienza un nuevo año, un nuevo sueño y nuevos proyectos. Mis colores rojos, amarillos y ocres, representan la luz de la vida, los sentimientos de paz, con caras de bronce y de piedra y máscaras unidas al Tumi el portador de la unión de los cuatro vientos que se nutre el yachac que es el médico milenario para adentrarse a la gran fiesta ceremonial donde unidas las tres fuerzas se convive en la eternidad." (Cristóbal Ortega)

"La paleta furiosa" Luiggi Stornaiolo

Luigi nace en la ciudad de Quito el 9 de Junio del año 1956, hijo de madre guayaquileña y de padre napolitano, transita su niñez y adolescencia en un ambiente bastante familiar, segundo hijo de esta familia de cuatro hermanos, y compartiendo con su abuela de parte de padre que fue una fuerte influencia en su vida artística. Se crió en un colegio conservador Católico, el colegio Spellman de varones, muy talentoso siempre en el dibujo, desde muy joven demostró que iba a llegar muy lejos, a los 12 años empezó a trabajar en uno de los periódicos más prestigiosos de la ciudad, con ayuda de su padre entró a dibujar los cómics para el diario “Últimas Noticias”.

Como autodidacta y gran admirador de Velazquez, Goya, Bruegel, Rembrant y Turner, empezó su carrera.

Joven aún contrajo matrimonio con su primera musa y no solo, si no también la mujer que lo llevó hacia el camino del arduo trabajo. Su primera exposición en 1980 causó sensación en la ciudad, por su fortaleza y por que no se había visto nunca nada así.

Vivieron por años en el campo, aislados del mundo, trabajando en un taller de ladrillo construido por el mismo, para 10 años después cambiar totalmente el rumbo de sus vidas e ir a buscar aventura en Australia, donde Luigi realizó algunas exposiciones y trabajó para la Corte de Melbourne, donde su trabajo fue muy apreciado.

Los años siguientes han sido llenos de bohemia ilusión y trabajo constante, empezó a pintar cuadros de grandísimo formato, y de una fuerza increíble.

Desde ahí hasta ahora no ha dejado de hacerlo, son 28 años de trabajo, su ironía no ha dejado de cesar en su obra, nunca lo hará.

Ha participado en Bienales, como las Cuenca, Sao Paulo, Trujillo, Trujillo, Venecia. Ha realizado muchísimas exposiciones, tanto nacionales como internacionales.

Los cuadros de Stornaiolo se caracterizan por desmontar figuras icónicas y hacer una crítica de la sociedad actual a través de la sátira.  El pintor ecuatoriano explota en sus lienzos el contraste cromático y utiliza, además, la estética de lo grotesco, sin convencionalidades. La obra de Stornaiolo ha sido catalogada como un neorrealismo social, sus cuadros transmiten una fuerza inimaginable, la mayoría en formatos grandes.

En diferentes tiempos y espacios pero así como Pablo Palacio con sus letras, Stornaiolo con sus cuadros testimonia la perspectiva urbana, la relación con la ciudad de Quito.Su obra es suficiente, lo dice todo, sin necesidad de mucha crítica ni hablada ni escrita, es esencialmente nuestro encuentro con las emociones que queremos desatar y “que no nos dejan”

"La muerte, la vida, el material y el espíritu" de Ivan Albright

Ivan Le Lorraine Albright (20 de febrero de 1897 - 18 de noviembre de 1983) fue un realista mágico, pintor y artista, más conocido por su auto-retratos, estudios de carácter, y bodegones.

Albright se enfocó en pocos temas en la mayor parte de su producción, particularmente en la muerte, vida, materia, espíritu y los efectos del tiempo.

Sus representaciones de los procesos de crecimiento y de cadencia corporal son tan exageradas que alcanzan el surrealismo, y guardan relación con el realismo mágico,

Ivan Albright y su hermano gemelo idéntico, Malvín, nacieron cerca de Chicago en el Norte de Harvey, Illinois. Sus padres Albright Adam Emory y Clara Wilson Albright. Su padre era un pintor paisajista, y provenía de una familia de maestros armeros, cuyo nombre original era "Albrecht". Los hermanos fueron inseparables durante la infancia, y en gran parte de su juventud. Ambos se inscrbieron en el Instituto de Arte de Chicago. Con una moneda al aire Ivan decidió que estudiaría pintura y Malvín escultura. Ivan particularmente admiraba la obra de El Greco y Rembrandt, pero se apresuró a desarrollar un estilo suyo propio.

Adam Albright se trasladó con su esposa e hijos a Warrenville, Illinois, en 1924.

Albright asistió la Universidad Northwestern, pero la abandonó y realizó estudios de arquitectura en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign. Durante la Primera Guerra Mundial hizo dibujos de medicina para un hospital en Nantes, Francia, un trabajo que probablemente influyó en su posterior estilo. Después de trabajar en arquitectura y publicidad brevemente sintiendose desplazado por el comercialismo se tomó en serio la pintura. Después de vivir en Filadelfia, durante la mayor parte de 1925 y 1926, regresó a Illinois, donde comenzó a alcanzar algunos éxitos importantes, realizando su primero exposición en 1930.

Las obras de Albright normalmente oscuras y misteriosas eran meticulosamente ejecutadas requiriendole años en completarlas. Las cortinas de encaje o lazos los realizaba con astillas de madera con un pincel de un solo pelo. La cantidad de esfuerzo que realizaba en sus pinturas le hizo muy posesivo de ellas. Incluso durante la Gran Depresión sus precios eran de 30 a 60 veces superiores al resto de los pintores, con el resultado de que las ventas fueron poco frecuentes. Para sobrevivir se basó en el apoyo de su padre, y realizo trabajos de carpintería.

En 1943 fue encargado de crear el cuadro para la pelicula de Albert Lewin, adaptación de la novela de Oscar Wilde El retrato de Dorian Gray. Su realista, pero exagerada representación de la decadencia y la corrupción se adaptaba para llevar a cabo un proyecto de este tipo. Su hermano fue escogido para realizar la pintura original de Gray, pero el cuadro que se utilizó en la película era de Enrique Medina. Ivan hizo los cambios en la pintura durante la película.

Albright, fue un prolífico artista que durante toda su vida, trabajó como impresor y grabador, así como pintor. Hacía sus propias pinturas y tallaba y elaboraba sus propios marcos. He was a stickler for detail, creating elaborate setups for paintings before starting work. Era muy puntilloso para los detalles, elaborando bocetos para sus pinturas antes de empezar a trabajar. Fue obsesivo acerca de la iluminación hasta el punto de que su estudio estaba pintado de negro, y vestía ropa negra para cortar posibles deslumbramientos.

Más tarde vivió en Woodstock, Vermont. Su última visita a su antigua ciudad natal de Warrenville, Illinois, fue en 1978. La ciudad declaró el Día de Ivan Albright, Albright y le honró con un día de festejos.

A pesar de pasar mucho tiempo viajando por el mundo, nunca dejó de trabajar. Albright, hizo más de veinte auto-retratos en sus últimos tres años, incluso en su lecho de muerte, el último dibujo después de un accidente cerebrovascular. Murió en 1983.

En el 100 aniversario del nacimiento de Ivan Albright, 20 de febrero de 1997, el Art Institute de Chicago inauguró una importante muestra de su trabajo. Aparece el hombre, una fotografía de Ivan Albright y su obra más famosa, la imagen de Dorian Gray.

La Colección de materiales de archivo, que se celebró por la Ryerson Burnham y Bibliotecas en el Art Institute de Chicago, incluye fotografías, álbumes de recortes, dibujos, cuadernos, una película, y otros materiales que documentan su vida y su carrera.